Batista de Lima: entre a pele e os abismos da palavra

Apresentação do livro Pele e abismo na escritura de Batista de Lima, de Nilto Maciel

É sempre importante saber o que diz a crítica sobre um livro. Vê-lo desbravado pela argúcia de um olho atento a descobrir-lhe o cerne ou inventar-lhe uma alma. Ter uma trilha por onde andar, antes do escorrego, ou ter onde segurar. Os textos críticos são esse porto seguro de vozes sensatas que indicam caminhos, atalhos, provocam o leitor ao mergulho. Os livros de Batista de Lima tiveram o privilégio de atraí-los, despertaram a atenção de críticos e estudantes, motivaram leituras, seus versos ganharam a rua, sua prosa deu o que falar. Pele e Abismo na Escritura de Batista de Lima veio mostrar que a sua produção literária, como a científica, não estancou nas prateleiras, tampouco passou despercebida; veio confirmar o interesse dos que leram e atravessaram a epiderme da sua palavra para abismarem-se nas linhas e entrelinhas da sua escritura. Nilto Maciel, leitor e crítico de seus textos, estabelece intersecções entre o poeta, o ficcionista e o ensaísta (Batista de Lima), não enxerga cada gênero isoladamente, entende-os ligados por uma linguagem sempre poética e particular. Diz que o poeta dá a mão ao narrador e ambos caminham de cabeça erguida no vasto mundo das letras. Foi esse Nilto, com sua alma de ficcionista e pesquisador do texto literário, quem, criteriosamente, reuniu os melhores textos sobre a obra batistiana e presenteou-lhe com esta Fortuna Crítica.

O livro se divide em quatro partes. Na primeira, temos a palavra do organizador que expõe como finalidade primeira da obra a fonte de pesquisa para os estudantes de Letras. Às suas palavras, segue um poema de Yacilton Almeida, uma biografia resumida e o discurso que o prof. Linhares Filho proferiu, quando da posse do conterrâneo lavrense na Academia cearense de letras, ressaltando a qualidade do seu trabalho em todos os gêneros execitados e prenunciando a perenidade da sua escritura, então imortalizada pelo seu destino de acadêmico. Segue-se com uma entrevista concedida ao Nilto, para a Revista de Literatura (2004), em que o contemplado fala de sua vida, sua trajetória literária, suas influências, seu processo criador, e seu ofício de amante das letras.

A segunda parte reúne textos críticos sobre as obras poéticas, iniciando com o Dias da Silva falando para os leitores do Jornal Tribuna do Ceará, em 1975, sobre sua auspiciosa estréia no gênero poético, com Miranças, e assinalando sua busca persistente por uma poesia concisa e densa. Adiante, Os viventes da serra negra, Engenho e Janeiro da encarnação vão ganhando matizes nas análises de Dimas Macedo, Francisca da Paz Menezes Carvalho, José Alcides Pinto, Sinésio Cabral, Joaryvar Macedo, Francisco Carvalho, Edimilson Caminha Júnior, Pe. Antônio Vieira, Deusdedith Souza, Barros Alves, Aldenor Aires, Carlos Augusto Viana, Francilda Costa, Giselda Medeiros, Nilto e Dias. De longe, Luiz Rufato e Akemi Waki ligam a sua poética à voz do seu povo, reiterando a voz de nossos melhores críticos sobre sua temática social, humanista, sobre seu lirismo vezes memorialista vezes filosófico, sobre sua forma de conceber o poema, como um processo de fusão entre inspiração e transpiração. Poeta da síntese e das elipses, como adverte Dias, Batista não peca pelo excesso ou pela falta, tem poder de concisão e consciência do uso da palavra como um trabalho de linguagem, embora não desprovido de emoção.

O contista é o objeto de estudo dos ensaios da terceira parte do livro, que reúne textos sobre O pescador de Tabocal e Janeiro é um mês que não sossega. Destacam-lhes características como o humor, o picaresco; classificam-nos como regionalista, realista, memorialista; estudam-lhes as metáforas. Em tudo fica evidente que o seu processo criador é múltiplo: ele junta memória e observação a um espírito imaginativo prodigioso. Suas histórias nascem de “causos” ouvidos, vividos ainda menino ou já adulto, que ele recorda e transforma em ficção. Estudantes de letras e críticos literários desnudam-lhe a essência: Nilto, Karla Paiva, Catarina Lobo, Arthur Eduardo Benevides, Dias, Delênia Holanda, Jaqueline Bastos, Herivaldo Oliveira Rocha, Elder Freitas Vidal, Renia Bezerra, Elisabeth Ávila Silva, Jorge Tufic, Graças Müsy, Larissa Pelúcio, Ângela Gutièrrez, Luiz Nazareno Magalhães, Wesclei Ribeiro. A prosa de Batista é declarada, em voz uníssona, como concisa, simples, mas extremamente expressiva. Com efeito, quem o lê sabe que ele transita pela temática regionalista, pela crítica social e política ou pelo fantástico, com a mesma desenvoltura, sem perder-se na construção do gênero, nem distrair-se de seus elementos constitutivos, embora, como diz o Nilto, perceba-se claramente o poeta de mãos dadas com o prosador.

Na terceira parte, temos o ensaísta percuciente, a voz do leitor atento (e do professor) avaliada por profissionais de letras que lhe apontam a capacidade analítica para o texto literário. Parece-lhe perfeitamente fácil conciliar a posição de poeta, ficcionista e crítico. É o que afirma Vianney Mesquita e Costa Matos ao comentarem as obras Moreira Campos: a escritura da ordem e da desordem, pesquisa de sua dissertação de mestrado, e Vazios repletos, ensaios que contemplam escritores brasileiros e estrangeiros, num registro do seu interesse por uma diversidade de gêneros e estilos. Aliás, o título trai o poeta: “vazios repletos” é uma antítese sugestiva, rica em conotações. Célia Felismino e Giselda Medeiros destacam-lhe, ainda, o interesse pela literatura cearense em O fio e a meada, coletânea de textos críticos sobre escritores de nossa terra, sobretudo os contemporâneos.

Pode-se perfeitamente, com este Pele e abismo, aquilatar a dimensão que a obra de Batista de Lima tem para a literatura brasileira. Nilto Maciel, com esta publicação, não apenas facilita a pesquisa acadêmica sobre o texto batistiano, desperta-nos para os muitos “josés” que moram neste Batista, homem simples e complexo em seu poder criativo, que ainda se acha “panos poucos para vestir tantos abismos”. Parabéns ao Nilto por dignificar a literatura cearense com esta obra que, certamente, constituirá uma fonte de pesquisa para os tantos que ainda se aventurarão pela palavra de Batista de Lima, buscando na pele de cada uma, abismais e abissais expressividades!

Fulgurações de um sol intemporal

A partir do título, “O Sol de cada coisa”, já se entrevê, nos poemas desse novo livro de Batista de Lima, um raio de luz a perpassar, como se fosse a claridade o estro de sua criação, mesmo que imersa na dualidade própria da condição humana. Com uma profunda crença na vida e no amor, o poeta acende com as palavras a luz, invisível aos olhos comuns, que subjaz em tudo. Ele mesmo diz em “Clarescuridão”: Deus me fez / sombra e claridade / sombra que ilumina trilhas / claridade que me cega o dia, relativizando o olhar e o que lhe chega através dele - sombra / iluminação, claridade / cegueira - de forma antitética. Esse jogo do claro / escuro, herança barroca, no poema “O domador de relâmpagos”, aparece potencializado em um processo sinestésico, quando o eu lírico encontra um arco-íris nos olhos da moça triste e se vê imerso numa “clarescura ventania”.

Sua poesia, ora perscrutadora da própria existência, ora amorosa, ora telúrica, ilustra bem a condição do homem contemporâneo diante da multiplicidade de “Faces”: Há dias à noite em que pareço a manhã que virá, e enxerga, nele mesmo, um outro a espreitar-lhe como um “Vigia”: Até dormindo / há sempre um olho / que pesa sobre meus sonhos. Sua constante consciência do estar no mundo e de ser outro constantemente não impede que ele se surpreenda com o inusitado: Há um José que se esconde dos que carrego. Percebe-se, nestes poemas, a voz do poeta Affonso Romano de Sant’ana: Debaixo de minha pele / alguém me olha esquisito /pensando que eu sou ele, num diálogo que confirma o dilema do homem de nossa época, fragmentado e perdido em sua incompletude. O duplo se lhe apresenta como uma tentativa de completar o que lhe falta e está fora do seu alcance.

A presença da terra deixada, mas trazida, retoma o mito do eterno retorno em “Constatação II”, quando o sujeito poético diz ter transcendido a ausência física do lugar amado, numa declaração de amor à terra natal da qual se encontra exilado. Esse exílio, entretanto, é apenas físico; ele já não mais tenta, nas despedidas, levar os potes ou o alpendre, símbolos do apego à raiz sertaneja, já não acena para o engenho (metonímia expressiva, que mostra o aceno para todos o que fazem parte daquele universo); ele se apercebe de que nada fica, quando ele parte: Nas outras fui esquecendo despedidas / Pois finalmente descobri / que todos iam comigo / onde quer / que eu pudesse ir. No poema “Descobrimento”, também percebemos a inevitabilidade de seu exílio e a predestinação para assenhorear-se dum mundo vasto, que o horizonte (do Taquari(?)) não seria capaz de alcançar:

Meu pai trouxe o mar
para casa
prisioneiro de um grande búzio
E no alto sertão
Instalou as caravelas
Com que descobri o Brasil.

Foi na casa do pai, e pela mão dele, que o mundo lhe foi apresentado; foi de lá que partiram as caravelas que o fizeram filho da terra, mas senhor do mundo, cujas distâncias geográficas não podiam ser mensuradas.

Sua poesia amorosa não incorre em pieguice ou excessos; é comedida, embora os sentimentos não estejam disfarçados. Há confissões de amores plenos, mas quase sempre idealizados, como se vivê-los fosse o risco de perdê-los. Em “Desassossego”, o sujeito poético concebe o amor como forma de superação da enfermidade que é a vida e como modo de abrandar seu crepúsculo. Clama à amada que chegue, pois está preparado para recebê-la: Abre-te pois em portas / que estou de chegada. Entretanto, ele não pede o amor dela para vivê-lo, pede apenas a ilusão de tê-lo: envenena-me de esperança / iludindo-me / a cada instante. Nos últimos versos, temos a confirmação do que dizemos:

Mas não deixa no entanto me achegar
conserva-me ao longo e enfermo
de paixão, loucura e mal-estar
para que eu morra
de viver me estranhando
por saborear-me em ti eternamente

Bem ao estilo romântico, o poeta parece realizar-se com a distância de sua musa. Chegar perto, possuí-la, talvez significasse o fim do amor. O modo de tê-la eternamente é não se achegar, mas manter-se ao longo enfermo de paixão, loucura e mal-estar. O mergulho no sentimento se dá em “Amar”: Amar é... nadar quando o outro se faz lago, mas, qual Sílfide, a vaporosa dama mitológica do ar, a mulher aparece digna não da vida, mas de um altar para imolação e tem a voz copiada dos anjos. Em “Sangria”, há uma gradação perfeita, bem nos moldes da “Cantiga pra não morrer”, de Ferreira Gullar: na condição da partida da amada, o sujeito lírico desvela seus lamentos e chega ao ápice na estrofe final, quando pede que ela deixe pelo menos a possibilidade de ele morrer de saudade.

O tempo, com seu efeito corrosivo, é outra presença constante nos poemas. O eu lírico, em “Contatação I”, reclama dos anos que chegaram sem aviso... um a um com suas fomes / comeram nossas ternuras / por não termos fechado as portas. Esse sopro Maiakovskiano, do acontecido por permissão, confirma suas leituras e influências que se estendem a Drummond e sua máquina do mundo (“O domador de relâmpagos”); a Cabral, com sua lâmina só gume (“Lição”) ou no galo despertando /.../ no espreguiçar da manhã (“Mira”). Ou ainda Bandeira: Não era um homem / não era um bicho / era o mar / tornado areia (“Maré baixa”).

Já em “Momento”, a passagem do tempo não é dolorida, ao contrário, é esperada e até bem-vinda: Assim sem pressa vou ficando ao largo / não me canso por me tornar idoso / antes idoso que virar saudade. Subtende-se a aceitação da maturidade e o medo da morte, que é, depois, desafiada: A mãe terra tem fome de mim /.../ só não sabe a mãe terra / onde poderá guardar / esse explosivo lixo que carrego / esse cismar que vai comigo (“Desafio”). Outro diálogo se dá, desta feita, com Quintana, que, em sua “Confissão”, diz: Acho-me relativamente feliz / Porque nada de exterior me acontece... / Mas, em mim, na minha alma, Pressinto que vou ter um terremoto!". Nova dualidade se faz: a do jogo aparência/essência. Mas o tempo é mais saudade, não uma saudade doída, mas a marca de uma ausência, de uma falta que habita: Que tempo bom era aquele / redes virgens na varanda / tapioca no fogão / dente de ouro na fresca / barulho de faca em feira /.../ e minha mãe na janela / pilando pimenta e lágrima / batucando um pilãozinho (“Uma casa só portas”).


Sua ligação com a terra se dá num continuum entre cancelas e caminhos, potes e alpendres, quando o eu poético se sabe “tábua, ripa e caibro”. Vozes se entrecruzam: a mãe, o pai, o avô, a avó (que, eufemisticamente, amanhece viúva), o engenho, a casa e suas histórias. Essa ligação com as raízes se revela tanto no conteúdo de alguns poemas, como na linguagem e na própria forma: “Tulipa”, por exemplo, é um pequeno cordel (quase épico) que conta uma história de amor malsucedida. “BR-116” é uma mini-epopéia nordestina, uma viagem contemplada pela janela do ônibus durante um trajeto pela estrada que liga Fortaleza a Lavras, mas é, sobretudo, uma viagem pelo ritual do ir e vir: a cadeira onze na ida / e a vinte e sete na volta; há também um lamento pelas perdas oriundas do progresso: Esta BR apunhalou o coração de minha terra / passarinho voou voou / nas asas do seu medo próprio. / BR 116 / cadê minha galinha pedrez / o canto da curicaca / a flor de manjericão...

A metapoesia, presença constante a mostrar a preocupação com o fazer poético, atinge o ponto mais alto n’”O domador de relâmpagos”, quando o eu lírico diz que a poesia é dama desnuda / que se veste de poema e mostra o também duplo processo criador: O poema vem sem pressa /.../ tenho caçado palavras / como quem caça veredas, deixando confessa sua criação como misto de inspiração e trabalho cerebral.

Batista de Lima é, na concepção de Schiller, um “poeta sentimental”, pois “pratica uma poesia de caráter reflexivo, filosoficamente comprometida com seus próprios meios de expressão e realização”. Neste novo livro, sobretudo, ele filosofa, silencia, perscruta, recorda, celebra, faz declarações de amor, brinca com as palavras, seduze-as, apascenta-as e confirma seu nome na poesia cearense contemporânea. Suas múltiplas vozes não apenas domam os relâmpagos, mas acendem as luzes intemporais do sol invisível de cada coisa e abrem portas para celebrar a vida!

Um olhar sobre "Eu vou esquecer você em Paris"

"Eu vou esquecer você em Paris", de Carmélia Aragão, é um dos livros mais leves e, ao mesmo tempo, dos mais fortes que li ultimamente. Percebe-se logo o manejo da técnica da narrativa curta e da linguagem sóbria, sem rodeios, por vezes propositalmente elíptica, ora coloquial, ora formal, marcando a diversidade de personagens, enredados em seu universo urbano quase sempre trágico. Os textos são curtos, enxutos, concisos, mas densos.

Na maioria dos contos, há um olhar perscrutador a vasculhar os arredores, um olho nem sempre discreto em busca da vida do outro, em busca do circunstancial para transformá-lo em matéria literária, o que mostra o caráter também metalingüístico da obra.

Os personagens, quase sempre da área de Letras, mostram a mundividência da autora enraizada na criação, o que garante a verossimilhança já que ela se apropria, na ficção, de um mundo sobre o qual tem muito conhecimento. A literatura está toda entranhada em seus enredos: O Morro dos ventos Uivantes, de Emily Brontë; Miss Dalloway, de Virgínia Woolf, Dostoievski, Edgar Allan Poe, Goethe, Nabokov, Baudelaire, Kafka, Dante, Clarice Lispector. As referências aparecem naturalmente, obras e autores da literatura universal fazem parte do universo de seus seres fictícios. Há claro, um empréstimo das preferências da própria Carmélia, leitora madura no exercício de sua paixão.

O primeiro texto da coletânea, “Romance russo”, é a história de um assassino urbano e tem como pilar um romance de Dostoievski. A partir dele, vai se moldando a galeria de personagens que povoam as outras 14 histórias – seres citadinos em eterno conflito com o mundo e/ou consigo mesmos, por conta da avalanche de conhecimentos que a educação requer, da automação da rotina fatigante (Janto, tomo banho, faço café e me abrigo madrugada adentro. Morfema, epzeuxe, biomassa, rendimento, polinômio /.../ Há um escritor chamado Goethe, Nabokov, Baudelaire, Kafka, Dante... /.../ Existo, estou além desse quarto. Sou o princípio – “Holometébulo”). Encontros e desencontros, mediocridade, jogos de interesse (“Quase”), medo (Numa noite sonhei que alguém entraria em nossa casa e nos metralharia, a mim e ao meu marido. Vingança. Vingança porque estamos com medo da cidade, então a cidade entra dentro de nossas casas – ”Feliz Catus”) e solidão são vivências e experimentos constantes a tornar o homem cada vez mais distante do outro e até de si. Em “Crônica do 2º andar”, há o desabafo da vida solitária nos apartamentos, as pessoas se olham, mas não se vêem; vivem sob o mesmo céu, sob o mesmo “abismo de gases”, mas distanciadas pela rotina, pelos receios, pela vida.

O ponto alto do livro é o conto “2003 (Carmina)” - a perfeita fusão da realidade/ficção (e da ficção dentro da própria ficção) cria um mistério kafkiano. Aliás, o mistério é um dos principais fios condutores de alguns enredos, como os de “Pulsos intactos”, “Página 12224” e “A menina que tinha gatos dentro de si”.

O último conto, que dá título à obra, é aparentemente cruel. O relato, que fala do descaso do filho com a mãe, ilustra a desumanização do homem contemporâneo, que não se prende nem mais aos laços sanguíneos. A personagem-narradora, para vingar-se da perversidade do irmão, que a responsabiliza pelos cuidados com a “pobre mãe doente”, leva-a a Paris, com uma ‘mala cheia de jóias’, alvo da cobiça do ingrato, e a abandona lá: “/.../ foi no aeroporto, não tive pena, ela lá, pobrezinha,... Chorei... Chorei... Eu olhava da janela e ela lá, a mala com as jóias dentro. Foi como se eu me livrasse dele, do meu irmão, como se eu o deixasse sozinho, ainda criança, numa rua deserta e desconhecida, como se eu o esquecesse para sempre em Paris”.. Há certa ambigüidade no termo “pobrezinha”: é a mala ou a mãe o objeto de seu abandono? A crueldade, entretanto, desaparece quando percebemos que é a mala, onde ela escondeu “um par de abotoaduras de ouro, um colar de brilhantes e uns anéis” que ela deixa em Paris, como se deixasse o irmão ainda criança. A perversidade ingênua da moça mostra que a perda material, certamente, representaria um desastre muito maior que a perda da mãe para o filho.

São esses seres desestruturados, solitários, massacrados pela vida, que compõem o universo da criação de Carmélia Aragão. Ela consegue, entretanto, não impregnar suas histórias de pessimismo; há um laivo de humor a perpassar os densos fios de sua ficção, a seduzir o leitor e enredá-lo numa prazerosa viagem, não a Paris, mas ao mundo de sua prodigiosa criação literária.

"Fortaleza Voadora": Um canto de amor às avessas

Fortaleza voadora é o mais novo livro do escritor cearense Pedro Salgueiro que, após quatro volumes de contos (O peso do morto, O espantalho, Brincar com armas e Dos valores do inimigo), estréia no gênero crônica. A cidade é a temática recorrente, como o título prenuncia, mas não a bela “loura desposada do sol”, como celebram os versos de Paula Ney. Pedro faz, sim, um canto de amor, mas às avessas. Embora se perceba, através das epígrafes do romance A Normalista, uma adesão ao espírito crítico de Adolfo Caminha a Fortaleza provinciana do século XIX, (quando o autor, ferido com o julgamento dado a ele pela sociedade cearense, vingou-se sagazmente através da ficção), lê-se, nas entrelinhas das crônicas de Pedro, mais um lamento do que propriamente uma zombaria. A primeira crônica parece trazer a voz de uma criança magoada porque não foi convidada para a festinha. Ou a de um marido que diz odiar a esposa só porque foi passado para trás. O que o narrador odeia é tudo o que ele nunca experimentou, conhece por ouvir falar; é tudo o que ele queria que fosse diferente, mas não pode mudar. Ele não segue a máxima “ame-a ou deixe-a”, porque ama o que critica (apenas por que não é como ele queria): “Te odeio, Fortaleza, como aquele marido traído, que te bate e xinga, mas não te deixa” p.14)

Os sujeitos da cidade – os “pinadores” de ônibus, o velho caviloso com os bolsos cheios de bombons, os homens viris que povoam a Praça do Ferreira, os banheiros de cinema ou os ônibus – personagens de algumas crônicas, em “Os Vampiros” corporifica-se num tarado que, engraçado, tem o próprio perfil do autor: “é calvo, altura mediana, um risinho cínico no canto do lábio; anda sempre com uma agenda surrada e um jornal do dia na mão esquerda”. Como diz Tércia Montenegro em seus comentários sobre a obra, “o alvo muitas vezes se volta para ele mesmo”, que não se exclui do “desajustamento” de que acusa seus conterrâneos. A praça e o ônibus são seus cenários prediletos, pois é exatamente nesses lugares que os sujeitos da rua atuam: o sábio charlatão, o tarado, os jogadores de dama que urinam na calçada da Academia, o bêbado, o trocador do ônibus e os passageiros. Pedro utiliza a Cidade como um laboratório e, com seu agudo senso de observação, transforma uma cena banal em um texto irônico e até cômico, como ocorre em “Um bêbado” e em “A catraca”.

A crítica à falta de memória do povo cearense é mais que lícita. A crônica “Vergonha”, que toma a cidade como “a nossa burrinha loura desmiolada pelo sol”, parodiando o verso antológico de Ney, traz reiterações através do redundante uso das conjunções adversativas – “Mas, entretanto, no entanto e contudo (além do vulgar mas útil mas)” – para reforçar o lamento pela destruição dos prédios que deveriam ser preservados. A cidade é o meio que ele utiliza para fazer sua crítica, mas o alvo é o povo de sua terra. Há, aí, um processo metonímico: o todo pela parte. Quem são desmioladas são as autoridades que não tomam conta da cidade como deveriam; quem é desmiolado é o povo que cruza os braços, passivo, sem saber o que perde.

A cidade e suas perdas se desenham linha a linha: seus monumentos, sua alegria (o trapezista não tem mais esperança de que o Circo sobreviva), a vila, a Gentilândia desfigurada pelo progresso. Resta a figura do Alcides (Pinto), símbolo de resistência, a pairar quase como um espectro numa cidade onde “nem um galo pode mais cantar”.

A influência de J. J. Veiga, presente em contos seus anteriores, volta a se fazer notar em “A passagem do Dragão”, que lembra, pelo insólito, “A estranha máquina extraviada”. O cronista e o contista se confundem, se tocam, na recorrência temática do sumiço de Luzanira no Carnaval e em “Desconfiança”, cujo desfecho surpreende o leitor: a mulher flagra o marido de amores não com uma amante, mas com uma boneca inflável.

Fortaleza voadora celebra uma cidade que foi – “E é certo que estes mundos quase invisíveis, estas esquinas impossíveis do tempo, precisarão sempre de um ouvido atento, de dois olhos bastante distraídos, para não desaparecerem entre as infinitas peças que movimentam a engrenagem desse gigantesco mecanismo do mundo” (p.62). Pedro insiste em ter esses ouvidos e esses olhos a perscrutarem o passado. Ele quer, por força, pelo menos conservar na memória o tempo em que a cidade não era uma selva. O saudosista é inimigo do progresso, ele assume; como assume que, para sobreviver a ele mesmo, muda de casa mais de uma vez no ano tentando fugir de si próprio (“Mudança”). A insatisfação é transferida para as casas, para a cidade que não o cabe mais, que ele não reconhece mais. Pedro é cruel com Fortaleza? Não, é um velho moço apaixonado e deixado, em busca de uma “loura” que só existe, agora, em sua saudade.

O Amor, mais uma vez e sempre

Quando o amor acontece, os poetas saltam de suas torres e vestem-no com as palavras, cercam-no com seus versos mais belos e celebram-no na eternidade da poesia. Esta fonte inesgotável de inspiração tem atravessado o tempo sem o menor vestígio de esgotamento. Ovídio, no século 43 a.C. teorizando a Arte de amar, já dizia no preâmbulo do Livro Primeiro: “se houver algum homem comum a quem a arte do amor lhe seja desconhecida, que ele leia este poema e que, conhecendo-a através de sua leitura, ame”. Sentimento essencial à existência, foge a qualquer tentativa de definição, já que seu cerne, já o disse Camões no século XVII, é a própria contradição: é fogo que arde e não se ver/ é ferida que dói e não se sente...

As contradições e as dores do amor parecem inevitáveis e em nada o anulam; com dizia ainda Ovídio: Mais violentamente o amor me transpasse, mais violentamente ele me abrase, melhor saberei me vingar das feridas que ele me fez... em vez do lamento danoso tem-se a fonte da poesia e da vontade de viver. Essa ligação amor/dor que tanto despertou a criação dos poetas românticos, no século XIX, está na Bíblia, precisamente no livro dos Coríntios (13: 4-7), onde o apóstolo Paulo diz que “o amor é sofredor, é benigno... tudo sofre, tudo crê, tudo espera, tudo suporta.” Quanto mais resistência à dor, maior o amor será.

Lançando mão de sua rima com dor, ou de sua celebração como um sentimento sublime ou sensual, o fato é que o amor atravessa o tempo como um tema atemporal, o que se comprova com a afirmação do poeta Vinícius de Morais, após a revolução do Modernismo de 22, século XX, escrevendo sonetos de amor, e com a permanência do seu estro nos poetas contemporâneos que o celebram como um tema atual (antigo e eterno, como o diria Moreira Campos).

Tal é o caso do poeta Gildemar Pontes, que traz agora a público, pelas edições Acauã, o livro de poemas Quando o amor acontece... cujo título já anuncia o conteúdo: o que advém do amor quando ele se realiza. Avesso à dor, mas nem por isso isento dela, o poeta dedica-o “a todas as mulheres que não fazem o amor doer”. O que não o impede de acrescentar reticências ao título, conduzindo o leitor a buscar entender, nos versos que se seguem, o que ocorre quando esse sentimento se plenifica, seja pelos apelos da carne, evocando o amor sensual, devorativo (quis devorar-te pelos seios / teus seios eram dias romãs / cresceram para maçãs rosadas / às vezes repousam em minhas mãos/ ou esperam e minha boca / serem lentamente devorados); seja no amor encontro (se minha alma fosse só minha / eu te daria a metade/ como ela é nossa / somos beija-flor e rosa / no caminhos dos encontros); seja no amor desencontro (amar a ti é não sei o quê / que dói na ausência / é insuficiência respiratória que não passa), versos de sopro camoniano, sem dúvida! Seja no amor busca: a alma é a parte desgarrada/ de um deus que espera / outra alma desgarrada / no infinito que procura, versos que lembram outros de uma romântica incorrigível em pleno Modernismo português: “Sou talvez a visão que alguém sonhou, / alguém que veio ao mundo pra me ver / E que nunca na vida me encontrou” (“Eu”). A influência de Florbela Espanca se comprova quando o poeta, a despeito dos desencontros, insiste em cantar a esperança e diz: Minh’alma de sonhar-te anda perdida/e a esperança bate florbelamente em meu peito.

O amor permanece celebrizado, tanto pela lembrança da afeição inocente, que veio aos 9 anos com muitas sardas no pequenino rosto da menina-mulher amada como no primeiro ato, aos 13, com seu primeiro amor sem coração (primeira dor?). As mulheres, deusas de carne e nuvem, são meninas, amantes, mãe, filhas que se vão construindo em forma de palavras, seja pela saudosa passagem (estarei feliz no andar que me levou?), pelo desejo sensual (mas não resisto ao teu sexo em brasa/aqueço minha mão entre o teu sexo/e preparo o dilúvio que vem depois), pela ternura infinita (de ti serei sempre o melhor amigo/a velar teu sonho), pela efemeridade (o dia em que eu te conheci/foi como um relâmpago/nos olhamos/nos beijamos/e pela manhã sumiram os pirilampos), pela paixão avassaladora que o faz enxergar nos olhos da amada dois tigres famintos. As mulheres, belas donas-de-casa, boas de cama, trabalhadoras, intelectuais, bandoleiras, vagabundas, para o poeta, são as partes de um todo, já que mulheres que não valem um vintém/mulheres diamantes estrelas brilhantes/raios de luar/nunca estão todas numa só. Sem preconceito de raça, credo ou comportamento, todas são celebradas e... amadas.


O poeta, embora pareça recusar a dor, como já se disse, transcende-a na forma do poema: eu não queria esta ausência / nem esta distância; [...] eu também sou náufrago em teus olhos/no teu corpo que reincendeia/ as cinzas do meu amor. Sem nenhum vestígio do amor como uma maldição, sem fazer gênero de poeta romântio, decadente ou pós moderno, Gildemar exercita o amor vivido, presente, passado, desejado, mostrando o que se dá quando ele acontece ou simplesmente conceituando-o: amar é devoção sobre todas as coisas... ou dando a receita de sua perenidade: o amor é concreto / é preciso construí-lo com tijolos de carinho. Desta forma, canta e decanta o amor, marcando a ferro e fogo em seus versos sua indelével existência, sempre num sopro de bonança, nunca de tempestade, como quem consegue cumprir a promessa de construir um tempo sem dor ou, pelo menos, de manter uma resistência consciente a tudo o que for adversidade.Parabéns, poeta, pelo menino que fazes permanecer no homem que és!

Os contos bregas de Thiago de Góes, com suas Lobas, deusas e ninfetas – kitsch como estilo

Kitsch, palavra de origem alemã (verkitschen), designa valores estéticos distorcidos e/ou exagerados, o que ocorre, no caso do texto literário, através do uso de estereótipos, chavões, lugares-comum, floreados. O escritor passa, com a utilização desse modelo, a ter um estilo marcado pelo brega. Ou seja, faz uma literatura “menor” do ponto de vista do que a elite literária convencionou como chique/maior.
No Brasil, especialmente, toma-se como kitsch o que parece de mau gosto. No território das artes, temos, como exemplo, a música de duplo sentido, a dor-de-cotovelo, os textos melosos ou, no caso das artes cênicas e da literatura, os melodramas lacrimosos. Nada mais irônico do que falar da sociedade, associando-a ao kitsch, que ela tanto rejeita como um valor distorcido da beleza que cultua.
Lendo as narrativas de Contos bregas, de Thiago de Góes, publicadas em 2005 pelo selo literário potiguar “Novos escribas”, temos um exemplo perfeito de criação assumidamente em cima do que se chama brega; o próprio título da obra já faz esse anúncio, bem como sua capa coloridíssima e o prefácio feito pelo cantor Falcão. Thiago escolheu a dedo canções sedimentadas no imaginário popular e criou, a partir das letras, personagens, situações e sentimentos os mais diversos: ódio, amor, vingança, traição, armações de namorados, loucura, prostituição, bebedeiras, esquizofrenia, suicídio. Por vezes irrompe o gênero fantástico (a fusão do homem com o cachorro, o homem/imagem/espelho, o fuscão que avisa ao marido da traição da mulher com seu melhor amigo, aparição de espíritos) e as histórias se fazem por acontecimentos inexplicáveis pelas leis da razão. O mais inusitado é que os contos têm, quase todos, títulos de músicas bregas, de onde também são retiradas as epígrafes; o leitor, desse modo, vive as situações e intui sua trilha sonora. A linguagem, sem rebuscamento, com traços da oralidade, não foge do lugar comum, ao contrário, prima por ele. O sumário do livro parece mais uma seleção de músicas: “Eu não sou cachorro, não!”, “Cadeira de rodas”, “Aparências”, “Fuscão preto”, “Meu ex-amor”, “No toca-fitas do meu carro”, “Deixa essa vergonha de lado”, “Eu te peguei no flagra”, “Tranquei a vida”, “A última canção”, entre outras. O repertório se coaduna perfeitamente com a atmosfera, a postura dos personagens e, sobretudo, com os enredos das narrativas, cujos dramas aparentemente banais revelam muito da condição existencial do homem urbano do nosso tempo.
Mais recentemente, em 2007, Thiago traz à lume outro volume de contos – Lobas, deusas e ninfetas – reafirmando sua preferência pelo Kitsch. Como no livro anterior, os contos vêm todos com epígrafes de músicas românticas, desta feita, exclusivamente interpretadas por vozes femininas, como Kátia (a prefaciadora), Roberta Miranda, Joanna, Maria Bethânia, Rosana, Alcione, Diana, As Frenéticas e Lílian. A maioria dos títulos dos contos também é retirada de músicas, cujas letras inspiraram as histórias: “Amanhã talvez”, “A majestade, o sabiá”, “fatalidade”, “Lembranças”, “Negue”, “Perigosa”, “Tô fazendo falta”, “Escrito nas estrelas” (entre outras). Histórias de encontros e desencontros, abandonos, traições, solidão, impotência diante das limitações e amores patológicos parecem transplantadas da realidade para a ficção. As protagonistas são predominantemente mulheres sensuais, erotizadas ou simplesmente solitárias e desiludidas. É delas o universo que se delineia, como já diz o título da obra. O gênero Fantástico volta no melhores contos da coletânea: “Lembranças” e “Rebelde”. No primeiro, o espírito da mulher morta insiste em manter-se na terra; no segundo, a menina pervertida e drogada conversa com um quadro cuja figura é um palhaço; ao insinuar-se para a figura, descobre que ele é o pai que ela nunca conheceu (viu-o apenas uma vez, sem saber quem era). Antenado com seu tempo, Thiago incorpora tanto a linguagem como os gêneros textuais do mundo virtual: Blogs, Orkut, Messenger e faz de seus personagens seres contemporâneos, parceiros de uma era tecnológica.
Nas duas obras, ele mostra, a despeito de inspirar-se em conhecidas canções, originalidade e inventividade. Seja fazendo rir ou chorar, brincando ou falando sério, seus personagens conquistam o leitor e levam-no a aventuras por vezes tragicômicas. Consciente do seu estilo, Thiago executa-o da melhor forma, assumindo uma postura austera diante dos rótulos e não evitando-os. Não se pode, pois, dizer que seu estilo é marcado pela falta-de-estilo, ao contrário, é seguramente marcado pelo que a elite literária rejeita: o lugar comum, a dor-de-cotovelo. Essa adesão explícita e sincera faz dele um dos mais vigorosos e autênticos ficcionistas de nossa época.

Capitão Astronauta: uma mensagem de otimismo - (Apresentação)

criatividade é sempre imprevisível, sobretudo quando é fruto da mente inventiva da criança, que vive num mundo adverso e, através da sua imaginação, pode construir uma realidade condizente com seus desejos e expectativas. Luís descobriu, aos oito anos, que poderia vencer o medo por meio da palavra, que poderia, atemorizado por um “valentão” do colégio, em vez de espernear ou se rebelar, criar um super-herói para defendê-lo. Com seu imaginário fértil, deu corpo à sua fantasia, e a criação veio como autodefesa, como forma de sobrevivência: o Capitão Astronauta foi o primeiro de uma galeria de mini-heróis que pululariam em sua cabecinha prodigiosa: Madame-Fraldinha, Mico, Homem Sorvete, Borboleta da Inteligência, Gêmeos sonâmbulos, Mímico Feliz e Homem Joaninha. Leitor constante e atento desde que aprendeu a ler, ele não teve dificuldade de compreender e expressar suas próprias emoções; aprendeu a desenvolver uma visão lúdica e poética da vida, mantendo um forte senso de percepção sem macular o sabor de sua infância. Esse equilíbrio deu-lhe o poder de imaginar e criar, deu-lhe a capacidade de enxergar saídas para os muitos problemas que a vida oferece, ter um pensamento crítico e poder enfocar, nas suas historinhas, problemas sérios como, por exemplo, o “aquecimento global”.


O Gibi foi criado por um menino inteligente, de mente desenvolvida, mas não vemos no conteúdo dos textos os sinais de um menino adulterado pela maturidade precoce. Ao fazer a revisão, procurei ter o cuidado de conservar as expressões originais, exatamente para não descaracterizar seu nível de linguagem. As marcas de uma linguagem amadurecida, a despeito de todos os cuidados, foi mantida, pois correspondem à sua própria forma de se expressar. Vê-se, entretanto, que são textos de uma criança que se sente criança, como já falei, e não um adulto em miniatura.

A leitura é leve e divertida, tem um estilo forte e carregado de sentido, resgatando inclusive símbolos que perduram no nos adultos: quem nunca teve uma professora terrível? Quem nunca, quando criança, pensou no cocô como um inimigo ou no xixi fugindo da privada e enchendo o mar? Quem nunca esperou a salvação através de um super-herói? A imaginação transforma em possível o impossível: a professora truculenta merece mesmo ser enviada para um asteróide qualquer. O escatológico faz parte da normalidade, embora nosso pudor com as palavras o evite. No final de todas as histórias, a mensagem de otimismo: O bem sempre vence!!! É possível destruir o mal!!!


Essa publicação nos mostra que o imaginário, ligado à emoção e à afetividade, dá segurança e certeza de que não estamos criando uma geração de repetidores infelizes. Na leitura está o segredo do homem capaz de idéias, do artista, do cientista e do político. Ou mesmo de um profissional simples, mas criativo. Luís Porto Brasileiro é um exemplo sólido de que nossas crianças podem ser capazes de renovar a cara deste velho mundo caduco. Parabenizo-o, Luís, por esta lição à humanidade. Quero continuar acreditando, como você, que os problemas têm solução e que os homens podem criar estratégias de sobrevivência sem necessariamente comprometer a saúde do planeta e a de seus semelhantes.

Obrigada!


Aíla Sampaio (18.06.2007)

Apresentação da Revista Urupema

Foi com muita satisfação que recebi o convite para apresentar o primeiro número da Revista Urupema, que vem marcar o nono ano da Academia de Letras e Artes do Nordeste Brasileiro e o segundo da gestão atual, presidida pela escritora Lourdinha Leite-Barbosa. Isto porque, como leitora e professora de Literatura Cearense, louvo a continuidade de uma tradição das nossas letras que é a união dos escritores em torno de uma publicação coletiva, o que é fato desde o século XIX, com A Quinzena, o Pão, a Iracema, a Clã, no século XX, e tem se mantido até os nossos dias com as Revistas Literapia e Espiral, cujas páginas têm trazido à lume o melhor da nossa produção contemporânea.

Urupema, a partir do título, palavra de origem tupi, já impõe marca de expressividade: a peneira que seleciona os melhores grãos, o traço de nordestinidade do objeto que evoca, a dádiva dos deuses, como bem afirmou Lourdinha, no Editorial. Seja qual for a conotação que escolhamos, tem-se a idéia de seletividade. É pela beleza estética que a Revista primeiramente nos seduz: a bela capa e a totalidade do projeto gráfico de Geraldo Jesuíno se impõem e aguçam os nossos sentidos para uma experiência visual prazerosa. Sob seus cuidados, os textos são distribuídos como desenhos de palavras. Coadunando-se com a qualidade material anunciada, as ilustrações da artista plástica Coca prolongam a idéia da revista como uma obra de arte, desde o verso da capa até as faces das páginas, onde palavra e imagem contraem feliz aliança.

A seleção de textos faz jus à palavra de ordem da contemporaneidade: ecletismo. Não parece haver fronteiras entre as formas: os sonetos de Batista de Lima, Giselda Medeiros, Linhares Filho, Sinésio Cabral, Virgílio Maia, a elegia de João Dummar Filho, a balada de Barros Pinho dividem espaço com os versos livres de Juarez Leitão, Regine Limaverde, Fernanda Quinderé, e com a experiência concretista bem sucedida e criativa de Pedro Henrique Saraiva Leão. Os poemas relativamente longos de Linhares, Virgílio, Inez Figueiredo e Jorge Tufic convivem pacificamente com versos curtos e concisos de Lourdinha Leite-Barbosa, Beatriz Alcântara e Diogo Fontenele.

Simbióticos, os motivos da celebração também dialogam: A catarse pura e simples se harmoniza com as elocubrações existencialistas e os mergulhos filosóficos. Vôos memorialistas de Barros Pinho, Carlos A. Viana e Lourdinha se unem ao permanente resgate da infância de Diogo e à preocupação com o presente de Dummar ao celebrar seu/nosso Meireles. Estéticas e temas antigos amalgamam-se de forma inovadora. Como nos diz Bauman, em seu O mal-estar da pós-modernidade, as novas invenções não afugentam as existentes, juntam-se a elas e se movem juntas. A multiplicidade de estilos e gêneros já não é uma projeção da seta do tempo, é uma realidade palpável.

O amor, o tema mais visitado em toda a literatura universal, tem na poesia de Carlos Augusto Viana, Giselda e Beatriz sua abordagem mais vigorosa, e na sensualidade dos versos de Juarez Leitão sua ancoragem mais sutil. O passado presentificado na casa, sempre a casa que nos habita ou os escombros dela, extensão da infância, das perdas, está na fibra do poente provisório de Viana, no ritual do retorno eterno de Arthur Eduardo Benevides, nas portas, nos fantasmas e nas escadas de cedro de Linhares, nos alpendres e nos espelhos dos mortos de José Telles, no monturo da memória de Lourdinha. “Figuras indormidas, anjos turvos, fantasmas, pais, mães e filhos, amores” se fazem cantar, e, na fusão presente-passado, quando o futuro era presente (Fernanda) são trazidos de volta, e, com eles, estamos, como no poema de Artur Eduardo, sempre voltando, voltando e penando, num eterno rito de passagem, na vã construção de ódios e afetos, como proclama Beatriz... Todos panos poucos para tantos abismos, na concepção poética de Batista de Lima, quando retira a pele para desnudar-se no poema. A mesma nudez enzimática de Regine que acaba por unir-se à nudez da criação na metapoética de Linhares, Fernanda, Sinésio, Inez e Tufic, para quem o sopro é a letra.

Os dois únicos contos - do Dimas Macedo, e do Nilto Maciel,– representam a narrativa curta e legitimam a tendência à concisão; percebe-se claramente a consciência do texto literário como um trabalho de linguagem. O dilúvio interior de Dimas se anuncia numa narrativa introspectiva, cujo personagem narrador parece marcado pelas imagens do passado, por suas perdas e seus amores; já a história suburbana de Nilto traz um traço da urbanidade trágica contemporânea, numa leitura mais exterior do mundo, embora não menos sensível. E há argúcia nas resenhas de José Alves sobre a escrita de Yuta Lerche, e de Noeme Elise que nos recorda Cesário Verde, o poeta precursor do Modernismo português. Há argúcia em tudo e talento!

Parabéns a todos os membros da Academia de Letras e Artes do Nordeste Brasileiro por esta grande contribuição às letras cearenses contemporâneas. Que os Deuses concedam-lhes a graça de passarem sempre pelas malhas intrincadas das peneiras e possam se manter entre os escolhidos para, com suas dádivas, continuarem a ter o poder de tão bem vestir as idéias com palavras. Obrigada!

Aíla Sampaio , março de 2006

A Poesia do silêncio

Impressionou-me bastante a economia vocabular da poesia de Manoel Ricardo. As palavras parecem pedras polidas, de arestas aparadas. Não é fruto do acaso essa poética visivelmente cerebral, quase desumanizada, filha da lírica moderna. É inegável a assimilação de suas leituras e a influência do crítico (que ele também é). Intuo Mallarmé, sussurrando aos seus ouvidos, na composição de cada verso: “poesia se faz com palavras, não com idéias”. Mas Manoel não é tão obediente, faz poesia (também) com idéias, ainda que imersas no peso das palavras, peças fundamentais, concretas. Não é à toa que elas aparecem “embrulhadas”, contidas no invólucro que ecoa logo na sugestão do título do seu primeiro livro, ou materializadas na objectualização explícita de Falas Inacabadas (objetos e um poema).
Vê-se claramente que a sua poesia não decorre da intuição, mas de uma silente construção, que nos permite entrever a colocação de tijolo sobre tijolo, com a devida medida da argamassa. Arrisco até dizer que a argamassa vem fundida à matéria de cada tijolo, porque não a vejo ocupar espaço. Falo dos elementos coesivos, insistentemente ausentes. Quase toda a seqüenciação é feita no corpo a corpo que as palavras travam umas com as outras. Esse processo criativo comunga com as idéias de Archibald Macleish (apud Harries, 1992:80-1) que afirmava que o poema “não deveria significar, mas ser” bem como com as concepções de feitura de textos dos líricos modernos, sobretudo as de Mallarmé e Valèry.
Outra característica marcante é a subversão das regras de pontuação. Ora os sinais são completamente abandonados, como a deixar a leitura do texto à deriva; ora deslocados para uma posição inusitada (antes e não após as palavras); ora valorizados, ocupando um verso inteiro, absolutos, íntegros, como se assim, deslocados completamente, adquirissem mais força e expressividade. Friedrich (1991:156) considera esse recurso da ausência (ou deslocamento) de pontuação uma forma impetuosa de “evitar ou transtornar contextos e ordens de relação, num claro objetivo de multifacetação do texto”. Com o que eu concordo, haja vista a existência de propósitos estéticos bem definidos na poesia dos líricos modernos e, não obstante, na de Manoel.
A construção consciente do poema revela-se com propriedade incontestável no metapoema “O livro” (Embrulho p.15 ). Entenda-se o poema como uma mensagem do poeta a Carlos Augusto, a quem os versos são dedicados. Dá até para entrever, no subtexto da “mensagem”, a conversa entre Mallarmé e Degas. A cumplicidade poética entre ambos (Manoel e Augusto) é tão evidente que é Augusto quem se manifesta para fazer a “introdução” do poema “Os peixes” (Embrulho p.41) com um poema seu, (a Manoel dedicado). Não é só pela leitura de “Os peixes”, feita por Augusto no poema “epígrafe”, que se percebe o animal aquático como uma metáfora da coisificação, da objectualização de qualquer manifestação sensível. É um belo texto, não à toa o mais longo do livro.
Observe-se a expressividade da parte IV deste mesmo poema, evocada pela interrupção do discurso do último verso. A suspensão do verso não é a suspensão do pensamento. Palavra e peixe deslocam-se e o sujeito-lírico fragmenta-se para não se sentir tentado a dizer o que prefere... decide calar, não arriscar uma verdade que não sabe(?) se é.
Na maioria dos textos só a linguagem fala, o eu silencia. Algumas vezes, entretanto, é possível perceber o que diz Hugo Friedrich (1991 p.211) a respeito da lírica moderna: "Quem é capaz de ouvir, percebe nesta lírica um amor duro, que quer permanecer intacto". Quem ler “Dorso” (Embrulho p.31) concorda com Fridrich. Há, a partir do título, a sugestão de uma sensualidade sutil, comedida, sufocada nas entrelinhas, mas latente, aliciada nas palavras, driblada nos silêncios que gritam. João Cabral de Melo fez parecido em Sevilha andando.
E por falar no silêncio do eu, tenho outra vez de buscar Mallarmé , que almejava o impossível através da proximidade do silêncio. E H. Domin (apud 1991 p.159), que aconselhou em seu poema “Linguistik”: “Aprenda a calar na linguagem”. Manoel sabe bem o que isso significa e, não despretensiosamente, constrói sua poética perpassada de silêncios. Do mesmo silêncio que Elida Tessler, artista plástica gaúcha, sua parceira em Falas inacabadas, sugeriu para os textos que acompanhariam as fotos dos seus trabalhos. Daí a concisão, a suavidade por vezes insular, a constante objectualização da palavra. Houve mesmo um projeto de unir objetos a palavras, quase num desejo de fundi-los ou considerá-los do mesmo “barro”. Os objetos captados por Elida coadunam-se perfeitamente com os textos, numa coexistência perfeita de metades que se completam. Calam-se diante uns dos outros. Outra vez lembrei João Cabral de Melo Neto e sua fixação nas artes plásticas, sobretudo nas de Miró.
Belo o embrulho todo. Corpo e alma. Fundo e forma. Sem respingo, sem excrementos. São visíveis as marcas das leituras do poeta, mas é incontestável sua luz própria. A mim me bastava “Geometria” (Embrulho p. 23) para compreender que Manoel está acima de qualquer influência. Belas as Falas inacabadas e feliz a promessa clara de que os versos continuarão. Confiramos as belas passagens: /o sempre é/ improvável/ e longe/ (Embrulho p.32); / tomar de volta o avião/lições de partir/ (Emb. p.50), /;faz frio fora/calor dentro/ (Emb. p.55); /e/cataloga/estrelas/ (Emb. p.63); /juntar das mãos/a ausência/própria /de companhia.(Falas inacabadas – V), Ficaria dito/:/do que resta morto/ainda vivo (F.inacabadas XIII). Como diz Friedrich (1991 p.190), “Nenhum eu fala /.../ mas a fórmula canta”. Eu diria que o eu pouco fala, mas encanta.
São breves impressões que me obrigam a lembrar o poeta espanhol P. Salinas: “A poesia conta com aquela forma superior de interpretação que reside no malentendido. Quando uma poesia está escrita, está concluída, é certo, mas não encerrada; busca outra poesia em si mesma, no autor, no leitor, no silêncio” (apud Friedrich 1991 p.179). Assim me assolou essa poesia que diz onde não diz e cala o que quer falar, numa forma de não se deixar ouvir. Mas eu ouvi (ou penso ter ouvido, é tênue a fronteira entre o real e o imaginário para os poetas).
Enfim, há mais a dizer, mas calando faço-me cúmplice. Não pretendo enquadrar ou rotular a poética de Embrulho e Falas inacabadas, apenas me senti tentada a comentá-las, pelo prazer que a leitura me proporcionou, e o fiz através de breves impressões que não devem ser vistas como a verdade absoluta. Salinas já advertira da possibilidade de “malentendido” e eu me fio nele e em Jakobson que respalda a minha análise ao afirmar que a poesia é a “linguagem voltada para sua própria materialidade”. Manoel, com certeza, não pensa diferente.

Fortaleza, abril de 2002.



BIBLIOGRAFIA CONSULTADA

FRIEDRICH, Hugo. Estrutura da lírica moderna. 2a. ed. São Paulo, Duas cidades, 1991.
HARRIES, Karsten. "A metáfora e a transcendência" in: Da metáfora. São Paulo, Pontes, 1992:77-93.
MELO NETO, João Cabral . Sevilha andando (1990) in: Obra completa. Rio de Janeiro, Aguilar, 1994:627-51.

Apresentação da Revista Literarte

Foi com muita satisfação que recebi o convite para apresentar o primeiro número da Revista do Curso de Letras da Unifor - a Literarte - revista que vem marcar a afirmação deste curso que, no seu quarto semestre, conta com cento e cinqüenta alunos, mais do que contam, no mesmo curso, Universidades públicas tradicionais do interior do estado.
Mas o que enaltece o nosso jovem curso não é a mera quantidade, é o empenho em fazer emergir um castelo das cinzas e vê-lo solidificado na motivação exposta no rosto do seu Diretor, da sua coordenadora, dos seus professores e de cada um dos seus alunos. O diferencial está na vontade coletiva de construir, em bases consistentes, o percurso que formará profissionais de letras, comprometidos com a sua missão fora dos muros desta Universidade. Note-se que um dos indicativos do compromisso dos alunos em edificar o curso está já nesta revista, produzida por eles, possível somente pela luta deles.
No itinerário da conquista do espaço social, de um curso que se afirma ante a sociedade cearense, com a peculiaridade de ser noturno para acolher aqueles que trabalham o dia todo, e com o currículo condensado em três anos e meio, viabilizando ganho de tempo para aqueles que têm pressa de chegar, adentramos, agora, com a Literarte, o território da palavra que nos é facultada, no intuito de, como é dito na apresentação, “proporcionar um equilíbrio entre o entretenimento e a reflexão”.
E é já o primeiro artigo que nos presenteia com um mergulho no vasto terreno da reflexão. O prof. Batista de Lima, senhor das palavras e eterno apaixonado pelas letras, cria uma bela metáfora para desvendar os labirintos de um texto, através dos movimentos de rastreamento e prospecção, incutindo no processo da leitura as duas direções que acabam por nos levar ao mágico reino das palavras, contido nas linhas e entrelinhas, fundindo criador e criatura no momento apoteótico do desvendamento oriundo de cada “ato de leitura”.
No mesmo estro reflexivo, o Professor José Lemos Monteiro tece críticas ao Hino Nacional brasileiro, revelando flagrantes falhas estilísticas e despertando-nos para o aspecto ideológico que julga “vulnerável e prejudicial à consolidação dos valores e aspirações do povo brasileiro”. É também para reflexão o texto de Silvana Mara sobre a proliferação de universidades particulares em nosso estado, suscitando um olhar perquiridor para os duvidosos critérios utilizados pelo MEC diante de tanta concessão e para o mais grave: a qualidade dos profissionais que jogam no mercado de trabalho.
Contundente é o desabafo do aluno Thomaz Othon sobre o desvirtuamento do sentido dos estágios curriculares, mostrando no artigo “Estagiário também é gente” que, além da falta de oportunidade para consegui-los, quando o conseguem, nem sempre contam com o respaldo dos orientadores, e, na maioria das vezes, são tratados como “office boy de luxo” pelas empresas. Igualmente válido como conhecimento de uma situação e ponto de reflexão é o texto “A linguagem além da fala”, escrito por Nilton Câmara, aluno do quarto semestre de Letras, que revela a sua constante preocupação com o valor social do deficiente auditivo e com a falta de políticas governamentais que lhe possibilitem uma melhor condição para o seu desenvolvimento lingüístico.
Como não poderia faltar uma boa resenha literária, temos uma leitura prévia do livro “Andanças e Marinhagens”, do poeta cearense Linhares Filho, feita com bastante perícia pela professora Célia Felismino, que nos vale como incitadora da compreensão da obra e, sobretudo, como uma boa indicação de leitura do texto poético.
Como entretenimento, não desvinculados, claro, do teor de textos também reflexivos, temos os contos “Coisas que acontecem”, de Hercília Castro, em que o humor perpassa linhas e entrelinhas; “Dentro do Ônibus”, de Isabel Gouveia, que nos mostra a massificação do ser humano no seu dia-a-dia e “ Santo remédio”, de Catarina Lobo, que faz uma brincadeira com o estigma da ingestão de bebida alcoólica quando se está tomando remédio, levando-nos a um final mesmo hilariante, até pelo seu tom e pela simplicidade com que joga os fatos, como se contasse uma história numa roda de amigos.
A poesia aparece com toda força em “O santo”, da professora Francilda Costa, uma desmistificação dos “santos” e “santas” do altar da igreja. Em sua irreverência, Francilda nos revela que santos somos todos que conseguimos sobreviver neste mundo de dores. Também revelam-se veias poéticas nos textos “Sou” e “Da esquina da Rua”, de Chico Miranda, “Sofreguidão”, de Paulo Freitas, “O tempo”, poema antológico de Laurindo Rabelo, e no pedido de “Reconhecimento social à poesia” de autoria de Kiko Santos, que converte a emoção de suas lentes para a arte de manejar as palavras.
Para finalizar, A Literarte apresenta uma entrevista com o emérito professor Costa Matos, em que se tem um perfil do seu trajeto profissional, da sua espirituosidade e senso de humor, bem como do escritor de contos e poesias que vem-se lapidando desde a publicação de “Pirilampo”, seu primeiro livro de poesias, lançado quando cursava o primeiro ano do segundo grau. O seu poema “Perplexidade”, exposto na contracapa da revista, nos dá noção do estilo enxuto e direto de um poeta em constante busca pelo significado de sua estada no mundo.
Creio que estas indicações já incitam a curiosidade da leitura dos textos na íntegra para comprovação de que a Literarte estréia com esmerado apuro na seleção de seu material, visando sempre à identidade do curso a que está filiada. É o primeiro degrau de uma escada íngreme, mas o primeiro passo já foi dado e a vontade de chegar ao topo, por ser mais alta e mais intensa, desconhecerá qualquer percalço. Parabéns a todos os que fazemos o Curso de Letras nesta primeira investida no espaço da palavra, na “tentativa de resgate do verdadeiro valor da palavra”.
Obrigada,
Aíla Sampaio